Kunst gucken: HERTIE-GARTENHALLEN, NORDISCHE TRÄNEN, AUGÄPFELMASSAGE

Ich war Kunst gucken in den vergangenen Tagen. Während ich kannibalisch lese, werde ich gegenüber der bildenden Kunst mal zum Eindringling, mal zur (Auf-) Saugenden. Ein friedlich kontemplatives Verhältnis zu Literatur und Kunst hat sich nie eingestellt. Mir fehlt dazu Ehrfurcht und Selbstbewusstsein. Literatur und Kunst waren, als ich begann mich für sie zu interessieren, soziales Kapital einer anderen Schicht (die Klasse zu nennen mir weder eingefallen, noch historisch korrekt gewesen wäre). Jede Haltung diesen Erzeugnissen gegenüber, die hochachtungsvoll vor ihnen stehen bliebe, wäre mir als Unterwerfung jenen gegenüber erschienen, denen ich nichts schulde. Es hat mich an Kunst nie etwas anderes interessiert, als das, was unpassend und unangebracht ist, was nicht schmückt und sich nicht distanziert genießen lässt. Was ich lese und anschaue, will ich nicht erklärt, eingeordnet und ausgestrichen haben. Dem Kunstwerk räume ich weiterhin, mag es gut oder schlecht sein, keinerlei Anspruch auf meine Gedanken, meine Träume, meine Gefühle und nicht einmal auf meine Aufmerksamkeit ein. Ich anerkenne es nicht als Subjekt, das irgendein Recht gegen mich oder sonst wen geltend machen könnte. Die Kunst als Ersatzreligion eines agnostisch gewordenen Bürgertums hat mich immer schon angekotzt. Ich will, dass die Kunst sich hergibt und verschwendet, dass sie eine ist, die sich jeder und jedem vor die Füße schmeißt, indem sie die verdammte Kultur des Mangels und der Sparsamkeit, die Kultur der Käuflichkeit und Preiswürdigkeit, die Kultur der verständnislosen repressiven Toleranz aushebelt, ausmerzt, zukleistert, vollstopft. Ich will Völlerei, Grausamkeit, Wut, Angst, Hass und bedingungslose Liebe, Öffnung, Risiko, Schmutz, Traurigkeit, Mut, Lust und Lachen. Was mich ruhig und unverändert zurücklässt, kann mir gestohlen bleiben. Ich will, dass die Kunst mich mitnimmt und ausspuckt und auf jeden Fall will ich nicht „erhoben“ werden, eingelullt und weichgespült.

KUNST FÜR GROSSBÜRGER: „Der spießige Kleinbürgergeschmack wird zur Zielscheibe“

Hertie-Gartenhallen, Städel Frankfurt

---Wie nämlich in den HERTIE-GARTENHALLEN, dem allseits in den Feuilletons begeistert besprochenen Anbau des neuen Städels.  Was man sich da geleistet hat, war teuer und architektonisch gekonnt, eine Leistung der PR-Maschinerie und des Fundraisings. Aus historischer Perspektive wird man vielleicht einmal, wenn man das „alte“ – auch renoviert und neu gehängte – Städel mit dem „neuen Städel“-Anbau vergleicht, den Unterschied zwischen Sponsoring und Mäzenatentum erkennen und darstellen können. Jetzt sage ich, ohne diesen Abstand: Was sich der Kurator im neuen Städel-Anbau geleistet hat, ist Müll. Und wie schon Groucho Marx feststellte: „Der Müllmann ist da. Sag ihm wir brauchen nichts.“ Das ist eine Ausstellung, die  vorzeigt, was man so hat, - wie der Neureiche seine goldene Eier-Sammlung. Da es aber für Gegenwartskunst keine Zertifikate, kein Maß nach Unze oder Karat gibt, hat der Ausstellungsmacher keine Wahl und keine getroffen, da hängt Dummes, Langweiliges, Nettes neben starken, heftigen, konzentrierten Arbeiten. Wo die Beliebigkeit herrscht, wird alles gleich-gültig. Es gibt jedoch und jedenfalls "Synergie-Effekte" und sich ergänzende "Module"; eine Gestaltungsstruktur, die an die Denk- und Wahrnehmungskonditionierung der zahlungskräftigen Bildungsbeflissenen anschließt. Die „Hallen“ sind kleinteilig in Kojen gesplittet, damit man genug herhängen kann, um dem Publikum was zu bieten und die Geldhäuser, die ihre Sammlungen hergereicht haben, ihren Kunden was präsentieren können. Weil aber dazwischen doch auch Kunst hängt, muss alles gut erklärt werden, damit sich keiner dran stört. Jede „Abteilung“ wird durch eine Überschrift gelabelt und einen Einleitungstext einsortiert. Viele Einzelkunstwerk sind mit einem Schildchen versehen, auf dem eine schlüssige und abschließende Interpretation angeboten wird. Alles klar? Na klar. Es werden den Besuchern sogar Fragen beantwortet, die sie niemals gestellt hätten: „In den 80er Jahren wird der MTV Musikkanal gegründet und die Immunkrankheit Aids tritt auf.“ 
Da wir (pluralis majestatis) beabsichtigen die Textbaustein-Fundstücke, die wir von dort mitnahmen, dem literarischen Verwertungszusammenhang zuzuführen, wollen wir an dieser Stelle unser Pulver nicht verschießen und nur einige Kostproben zum Besten geben: In den Hertie-Gartenhallen können Sie „Malerei und Politik als Symptom“ erleben, das „Material atmet Geschichte“ sowie „Punk-Geist und schwule Subkultur“ sind an ausgewählten Exponaten zu besichtigen. „Alles verweigert sich der Eindeutigkeit.“, aber das muss Sie nicht beunruhigen; das wird geklärt und erklärt. Ein bildungsbürgerliches Publikum schlurft informiert und erfreut durch die Gänge. Das wird ein Erfolg, das ist schon einer!

(Spaß beiseite: Tatsächlich halte ich eine Ausstellung wie jene in den HERTIE-Gartenhallen für ein ethisches Desaster. ---Genau, ich schwinge mal wieder die Moral-Keule, bäh! --- Wo  Kunst oder ihre Präsentation Fragen beantwortet, statt zu stellen, hat sie nach meiner Überzeugung gefehlt und ist verfehlt. BASTA!)

SCHAU: „Der Weib muss weinen“

Edvard Munch: Weinende Frau. 1907

Dass es auch anders geht, beweist zeitgleich die Edvard Munch-Ausstellung in der Schirn (die im Übrigen auch unter der Leitung des agilen Städel-Direktors Max Hollein steht, der für die Kunst nicht nur in Frankfurt viel getan hat). Die Ausstellung in der Schirn ermöglicht einen – mindestens mir – ganz neuen Blick auf das Werk des 1863 geborenen norwegischen Malers. Der Untertitel der Ausstellung „Der moderne Blick“ beschreibt, was hier sichtbar wird: In welchem Ausmaß sich Munch jeweils der Gegenwart des Sehens gestellt hat, auf der Höhe der zeitgenössischen fotografischen und filmischen Technik, der theatralischen Inszenierungen und in der Reflexion des eigenen, zeitweise eingeschränkten Sehvermögens. Im Mittelpunkt dieses Sehens steht der Mensch in seiner Ausgesetztheit, gespenstisch gesichtslos oft: Ein Mörder in einer Allee, gehetzt. Die Mörderin im konturlosen Zimmer, gestört. Der Kuss, viele Male, mundlos. Mann und Frau, getrennt stehend, blicklos. Eine Obsession über Jahrzehnte: die nackte Frau mit gesenktem Haupt in einem Hotelzimmer stehend. Sie weint. Weint sie? 1907 entstand in Warnemünde eine Fotografie Rosa Meissners, die diese Szene zeigt. Im Hintergrund ist auf der Fotographie die durchscheinende Gestalt einer anderen Frau zu sehen, Meissners Schwester. Auf den Gemälden ist diese Figur verschwunden. In manchen Versionen der „Weinenden Frau“ fehlt das Bett, mal ist die Tapete an der Wand ausgeführt, mal der Raum völlig unklar gelassen. Das Gesicht der Frau wird vom Haar verdeckt, einmal wird der ganze Kopf zum roten Fleck. Was sieht er? Eine Frau in Trauer. Eine schöne Frau, nackt. Den Hals gestreckt, die Arme hängend. Die Frau steht für sich. D e r Weib – ein männliches Weib in einem weiblichen Körper? Sie schaut nicht. Der schaut nicht auf (sie). Ein Moment der Einsamkeit. Des sich Vergessens. Der Vergessenheit. Weg getreten. Er sieht nicht richtig hin. Was ist da passiert? Weint sie? Warum weint sie? Das Zimmer verschwimmt ihm. Hat er ihr etwas angetan? Hat sie ihm etwas getan – oder eben nicht getan, verweigert? Hat er sie verstoßen? Es ist hier eine Verletzung geschehen. Man sieht sich nicht, auch wenn man hinschaut. Sie können sich nicht in die Augen schauen. Edvard Munch, lese ich, wollte eine Statue der weinenden Frau auf seinem Grab stehen haben. „Der Weib.“ Da wird nichts weg oder herbei erklärt. Man will immer wieder hinschauen – und weg.

So kann das auch sein. Kunst schauen. Ein verletztes Auge. Was sehe ich, wenn ich dich sehe? Sehe niemals dich. Nicht mich. Gespenstisch. Sind wir uns. Versuche. Der das hier gemalt hat, verweigert sich der Außenwelt, dem Anderen nicht. Stellt sich. Sieht, was nicht gesehen werden kann. Was siehst du? Sieh mich (nicht) an. Die Ausstellung endet mit einer Serie von Selbstbildnissen. Wie der Maler sich altern sieht. Zwischen Uhr und Bett.

AUGAPFELMASSAGE. Wir wollen „urbane Tiere“ sein.

Massachusetts Chandelier, 2010

Die verwundbaren Augen pflegen: Das ist möglich zur Zeit in Mannheim, wo in der Kunsthalle eine Retrospektive zum Werk Pipilotti Rists gezeigt wird. Fast jede kennt wohl die Video-Arbeit „EVER IS OVER ALL“ von 1997, in der eine grazile Schöne in Rüschenkleid und roten Schuhen mit einer Fackellilie Autoscheiben zertrümmert. Nichts schöner als das Lächeln, das die Schlägerin mit einer Polizistin in Springerstiefeln austauscht, die sie überholt. Auch „PICKELPORNO“ (1992), der als „feministischer Porno“ bezeichnet wurde (keine Ahnung, ob es so was gibt), ist eine der bekannten Arbeiten von Pipilotti Rist. Die Ausstellung in Mannheim zeigt die Vielfalt, aber auch die Konsequenz im Werk dieser Künstlerin. Es ist eine freudvolle Auseinandersetzung mit dem (eigenen) Körper, seiner Sinnlichkeit und Schönheit, der Gewalt des Organischen, die alle anorganische Gestaltung auf Dauer überwuchert, der Lust, sich einzulassen und sich zu verweigern, eine tänzerische Performance, die „Hilfe, Hilfe, Hilfe“ schreit und „Ja, Ja, Ja, Ja.“ In Mannheim werden die Räume spielerisch und abwechslungsreich genutzt, der Toilettenboden ebenso wie ein Loch im abgenutzten Fußbodenflor, Wände, Regale, Hallen. Die Betrachter werden auf eine Reise ins Innere der Darmflora mitgenommen, eingesaugt durchs verführerisch aufgerissene Maul der Künstlerin, das sich transformiert zum Anus, durch den sie wieder ausgeschieden werden. („MUTAFLOR“, 1996).   „BLUTRAUM“ (1993/1998) ist eine Hommage an die Menstruation. Es rinnt die Körper entlang das Blut, in dem sich suhlen kann, die mag (statt sich zu schämen). Besonders lange stand ich vor „I COULDN´T AGREE WITH YOU MORE“ (1999), in dem sich die Künstlerin mit einer Handkamera filmt, wie sie Straßenbahn fährt, durch einen Supermarkt geht oder in einer Wohnung umher streift. Diese Nahaufnahmen von ihrem unbewegten Gesicht mit den klaren, blauen Augen sind überlagert von Aufnahmen, die vier nackte Menschen (zwei Frauen, zwei Männer) zeigen, die sich durch einen Wald bewegen und von Autolichtern geblendet werden. Die Metapher „Großstadtdschungel“ wird anschaulich. „Urbane Tiere“: beängstigend und faszinierend zugleich, wild und anmaßend, vorsichtig und anmutig. Lange lag ich auch vor „LUNGENFLÜGEL“ (2009). Drei Wände des großen Raumes werden von Videoprojektionen bespielt. Auf den Boden hat Pippilotti Rist Kissen aus Kleidungsstücken gelegt, auf denen man es sich wie auf kopflosen ausgestopften Puppen bequem machen kann. So taucht man ein in Tulpenfelder und saftige Wiesen, auf denen rotgoldene Äpfel verrotten.

Es gibt noch viel mehr zu sehen und zu erleben und auszuhalten und zu inhallieren in Mannheim, jetzt(!), als ich hier beschreiben kann. Sehen Sie selbst!

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Für die Präsentation der Gegenwartskunst im Städel ist Dr. Martin Engler verantwortlich.

Die Ausstellung „Edvard Munch: Der moderne Blick“ in der Schirn kuratierten Angela Lampe und Clément Chéroux. (noch bis 28. Mai 2012)

Die Ausstellung „Pipilotti Rist: Augapfelmassage“ in der Kunsthalle Mannheim kuratierte Stephanie Rosenthal. (noch bis 24. Juni 2012)